Cette série semble s’inscrire dans un champ de recherche plastique où l’iconographie yoruba, les régimes symboliques ouest-africains et une réflexion contemporaine sur les assignations de genre se rencontrent. À travers un ensemble de figures crayonnées de face, hiératiques, souvent monumentales, l’artiste Lionel Attéré élabore une syntaxe visuelle qui interroge la centralité féminine dans les systèmes sociaux, cosmogoniques et décisionnels yoruba, tout en reconfigurant les rôles attribués au masculin.
En cela, cette série appelle à un double mouvement d’observation : une iconographique, attentive aux signes, aux objets et aux postures ; et une formelle, centrée sur la couleur, la composition et la matérialité picturale. Les œuvres présentées par Lionel Attéré témoignent d’une cohérence structurelle qui permet d’identifier un projet artistique articulé autour de la dignité, de l’autorité et de la transmission.
ICONOGRAPHIE DU POUVOIR FÉMININ : CORPS, MASQUE ET ATTRIBUTS
Dans plusieurs toiles, la figure féminine occupe l’axe central de la composition. La frontalité, combinée à un cadrage resserré, instaure une relation directe avec le regardeur. Au sens psychologique, cela tend à traduire une conscience affirmée de soi, une intention de puissance, de bravoure, de sang-froid incarné.e. Puis il semblerait que cela relève d’un régime d’énonciation statutaire. C’est dire que par sa démarche, l’artiste fait en sorte que le corps devienne surface d’inscription culturelle. Matière de relecture des codes, de la codification, de l’encodage de la présence, de l’expression faciale, de la solennité du regard, de l’augure auguste dans la représentation des traits.
Sur l’une des œuvres, la femme arbore un masque évoquant les traditions yoruba liées aux sociétés Guèlèdè, inscrites au patrimoine culturel immatériel par l’UNESCO. Le masque agit comme un opérateur de révélation : il articule la dimension spirituelle à la dimension sociale. Les colliers de cauris, abondamment représentés, renvoient aux systèmes de valeur(s), d’échange et de divination. Le cauri, monnaie et médium divinatoire dans l’aire yoruba, devient ici signe d’autorité économique et rituelle.
Dans une autre composition, une femme tient une récade, positionnée dans l’axe médian. Sur son visage, un masque à l’expression imperturbable. Derrière elle, des Guèlèdès en posture de révérence à son égard. Le spectre structure l’espace pictural. Il signale l’exercice d’une haute responsabilité. Les arrière-plans, saturés de motifs inspirés de textiles, de parures ou de bas-reliefs, constituent un environnement culturel dense : animaux stylisés, figures anthropomorphes, signes géométriques. La femme apparaît comme centre d’ordonnancement de ces systèmes symboliques.
Cette centralité iconographique fait écho à des figures historiques et mythiques de l’espace yoruba, telles que les Ìyálóde, femmes de haut rang investies d’un pouvoir politique et économique, ou encore certaines entités féminines du panthéon Orisha. À travers une continuité thétique, la série s’articule ainsi à confirmer la primauté de la place des femmes dans la sphère domestique, la sphère rituelle et la sphère décisionnelle.
COSMOGONIE ET ÉLITES FÉMININES : MÉMOIRE D’UN ORDRE SOCIAL
À l’échelle de la série, le travail pictural de Lionel Attéré peut être appréhendé comme une tentative de reconstitution symbolique d’un ordre social dans lequel la figure féminine occupe une place structurante. L’ensemble des compositions déploie une réflexion visuelle sur la manière dont l’autorité féminine s’inscrit dans différents registres de la vie collective : maternité, économie domestique, médiation sociale, pouvoir rituel et transmission culturelle. Ainsi, les figures représentées incarnent avant tout une typologie individuelle ; puis elles participent d’une construction iconographique plus ample où la femme apparaît comme opératrice de continuité sociale. Vecteur de résilience et de résistance.
Dans plusieurs tableaux de la série, la présence de l’enfant (parfois porté dans le dos selon des gestes familiers aux sociétés ouest-africaines) introduit une dimension intergénérationnelle dans le travail de Lionel Attéré. En dehors de sa fonction biologique, la maternité y devient un dispositif symbolique de transmission. L’enfant, souvent stylisé selon des codes proches de ceux du masque, semble déjà inscrit dans une chaîne de mémoire qui précède l’individu. À travers ces relations figuratives entre adulte et enfant, l’artiste suggère que le corps féminin peut se percevoir à travers une vision tripartite. D’abord en tant que lieu de passage entre générations. Ensuite en tant qu’espace de médiation entre mémoires ancestrales (féminines). Enfin en tant qu’un senseur du devenir social.
Cette dimension transgénérationnelle chez Lionel Attéré s’articule autour d’arrière-plans picturaux particulièrement denses, composés de motifs répétés évoquant tantôt des textiles, tantôt des signes géométriques ou des figures animales stylisées. Ces surfaces constituent une véritable trame symbolique de son travail visuel sur cette série. Car elles instaurent un environnement visuel où l’humain, le spirituel et le naturel se répondent selon une logique de correspondances et de confidences. Les personnages féminins se situent alors au cœur de ce système relationnel, occupant une position charnière entre ces différentes sphères.
Dans cette perspective, la série peut être interprétée comme une relecture plastique de configurations sociales historiquement attestées dans l’aire yoruba et plus largement en Afrique de l’Ouest. L’artiste tenterait donc de nous rappeler, qu’avant les recompositions induites par la période coloniale, de nombreuses structures politiques, économiques et rituelles reconnaissaient l’autorité de certaines figures féminines occupant des fonctions d’arbitrage, de représentation ou de régulation. En convoquant ces imaginaires sociaux et spirituels, Lionel Attéré produit une iconographie du féminin capable de réattribuer à celle-ci une distinction réparatrice. Il élabore par la même occasion, une mémoire visuelle d’un ordre dans lequel la souveraineté féminine participe pleinement à l’organisation du monde social.
RÉINTERPRÉTATION DU MASCULIN : REDISTRIBUTION DES RÔLES ET SENSIBILITÉS
Dans “Matriarcat”, le masculin apparaît souvent en retrait ou sous forme allusive. Lorsqu’il est présent, il est inscrit dans des scènes de quotidienneté ou dans des rôles associés au soin, à l’écoute, à la proximité domestique. Cette redistribution iconographique opère un déplacement des paradigmes hérités de la modernité habituelle.
L’artiste procède à une réaffectation symbolique : le masculin participe à l’espace de la tendresse, de la transmission intime, de la sphère familiale. Cette reconfiguration propose une lecture où les rôles sociaux se construisent à partir d’un équilibre dynamique plutôt que d’une hiérarchie verticale.
Son geste pictural inscrit cette redistribution dans la matérialité même des œuvres. Les hommes, lorsqu’ils apparaissent, sont intégrés dans des gammes chromatiques plus douces, parfois enveloppés dans des tissus ou des environnements décoratifs analogues à ceux des figures féminines. L’écart visuel entre genres se réduit au profit d’une continuité subtile, instructive, édificatrice, formelle.
ÉPISTÉMOLOGIE CHROMATIQUE DANS MATRIARCAT
Ces œuvres de Lionel Attéré présentent généralement des pigments relativement saturés, juxtaposés à des zones plus sourdes (bruns, ocres, terres). Cette combinaison crée une tension maîtrisée entre éclat et densité. Les aplats sont souvent francs, avec des transitions limitées. Cette économie de dégradés accentue la lisibilité des formes. La saturation varie selon les plans : les vêtements et certains arrière-plans adoptent des intensités marquées, tandis que les visages et les mains sont traités dans des registres plus tempérés, favorisant la hiérarchie perceptive.
Le bleu dialogue fréquemment avec des ocres et des jaunes. Ce contraste chaud/froid dynamise la surface picturale. Les rouges et les verts interviennent comme accents secondaires, orientant le regard vers des zones précises (motifs textiles, symboles, accessoires). La couleur agit en réseau. Aucun ton n’est isolé ; chacun se définit par rapport aux autres. Cette interaction confère à l’ensemble une cohérence systémique.
Quant aux surfaces, elles présentent une texture délicate, notamment dans les fonds bruns et ocres. Cette matérialité ancre les figures dans une dimension artisanale, mettant en exergue les supports traditionnels choisis par l’artiste. Les motifs répétitifs structurent l’espace comme une tapisserie symbolique.
Aussi, il convient de prendre en compte la circularité de certaines compositions modifie la dynamique de lecture des oeuvres. En effet, le regard circule autour de la figure centrale, sans angle dominant. Cette structure renforce l’idée d’un ordre cosmique, où le centre organise la périphérie.
LE BLEU COMME SIGNATURE CHROMATIQUE
La récurrence du bleu constitue un élément structurant du travail de Lionel Attere. Dans les œuvres observées, le bleu intervient sous différentes intensités : turquoise lumineux, bleu profond, bleu grisé, etc. Cette variation permet d’examiner cette couleur selon plusieurs axes.
Premièrement, la charge émotionnelle et symbolique. Dans les cultures yoruba, certaines teintes de bleu peuvent être associées à l’eau, à la profondeur, à la dimension spirituelle. Dans la série de Lionel Attéré, le bleu enveloppe les figures féminines d’une aura de stabilité et de concentration. Il suggère un espace intérieur, un calme structuré. La dominante bleue dans les compositions circulaires crée une atmosphère de suspension temporelle.
La couleur bleue agit ici comme champ d’intensification de la présence. Elle concentre l’attention sur le corps et isole la figure du fond, même lorsque celui-ci est richement orné.
Secondement, le bleu chez Lionel Attéré joue un rôle structurel du bleu dans la composition. En effet, le bleu y organise l’espace. D’ailleurs, dans certaines œuvres, il contraste avec les tons ocres et bruns du fond. Un contraste qui établit une hiérarchie visuelle claire : la figure se détache par différence chromatique. Le bleu fonctionne comme plan médian, séparant la chair et les parures du décor.
Dans certaines images, le bleu choisi par l’artiste semble contribuer à renforcer l’harmonie chaude, monochrome ou unifiée de l’ensemble. En optant pour cette relative absence du bleu à ces niveaux-là, Lionel Attéré viserait à privilégier des ambiances sereines, intemporelles voire des atmosphères dynamiques et vintage.
C’est dire à quel point dans son approche, l’artiste s’accorde une forme de libération de la mimésis. Cette adaptation chromatique participe à une distanciation par rapport à la représentation mimétique. Le bleu façonne une atmosphère mentale plutôt qu’un environnement réaliste.
Autrement dit, le bleu chez Lionel Attéré s’éloigne d’une stricte fidélité au réel. Tantôt, les carnations peuvent être stylisées, tantôt les vêtements saturés au-delà d’un rendu naturaliste. La couleur bleue s’affirme là comme choix conceptuel. Elle construit un espace symbolique autonome.
VERS UNE RECONFIGURATION NARRATIVE CONTEMPORAINE
“ Matriarcat ” de Lionel Attéré s’inscrit dans un débat actuel sur les représentations sociales du genre en Afrique de l’Ouest. La série mobilise des références endogènes pour construire une narration où la femme occupe un rôle structurant dans les sphères spirituelles, économiques et politiques.
La redistribution des rôles masculins participe à une transformation du récit social contemporain. Elle ouvre un espace de réflexion sur les héritages culturels reçus dans notre contexte ouest-africain et sur leur réactivation dans le présent. Par le biais d’une iconographie dense et d’une palette construite autour du bleu comme axe identitaire, Lionel Attéré propose une lecture visuelle d’un ordre social où autorité, maternité et spiritualité s’entrelacent.
La série développe ainsi une proposition analytique sur la mémoire culturelle et sur la plasticité des rôles sociaux, en articulant tradition et reconfiguration contemporaine à travers une écriture picturale structurée et une narrative cohérente.